Antes que nada.... Aspectos técnicos. ya 1

ASPECTOS TÉCNICOS

El cine consiste en la descomposición de las imágenes y de su descomposición y recomposición de las imágenes. Este proceso se lleva a cabo mediante una cámara de filmación y de un proyecto de película. Ambas necesitan de un objetivo y un Crono; la parte interior de la cámara necesita un sistema de arrastre de la película con el fin de que ésta pueda plasmarse a través de un objeto.

Aunque al principio era un sistema muy rudimentario, se ha ido perfeccionando hasta llegar a las cámaras actuales. El sistema es muy parecido al de las cámaras fotográficas. Para que podamos fijar una imagen se necesita de un cuarto de segundo. La diferencia del cine mudo al sonoro es que el primero pasaban 16 fotogramas por segundo, mientras que el segundo necesitaba que pasaran 24 fotogramas.

En los comienzos de la cinematografía, también los objetivos son fijos (no se movían), sin visor en las cámaras de grabar (por lo que el encuadre había que hacerlo a ojo). El encuadre es lo que vemos por detrás del visor; en las primeras películas, al no haber visor, el encuadre se ve cortado.

La película al principio era de celuloide, posteriormente de citrato de celulosa.

Antes de la llegada del cine sonoro, el formato de la película utilizado era de 20 Mm., pero con la entrada de éste tipo de cine, se hizo necesario los de 35 Mm., con el fin de incluir la banda sonora.

Las películas tienen una sensibilidad determinada, por lo que podemos encontrar películas

-Ortocromáticas: Sensible a todos los colores excepto al rojo

-Pancromáticas: Sensible a todos los colores. Empieza a utilizarse en 1910.

Al principio, las películas en blanco y negro se coloreaban en el laboratorio y a veces se estropeaban.

nuevo. Cómo se distribuyeron la producción cinematográfica?? ya 7

En la ``era de los estudios´´ las ocho compañías produjeron aproximadamente tres cuartas partes de los largometrajes que dió la industria, las cinco más grandes produjeron la mayoría de películas de mayor presupuesto, también controlaban las áreas de la edición musical o laboratorios. Las productoras más pequeñas como Monogram o Republic, producían películas menores, westerns baratos o seriales, que eran proyectadas en cines de barrio, a veces se proyectaban en una de las salas de los 5 grandes. Así que estas sociadades se beneficiaban en un 90% de los ingresos en taquilla.

A mediados de la década de los '40, la Monogram Pictures decidió probar suerte con el famoso personaje, e inició una serie de películas de "misterio" centradas en las andanzas de La Sombra.

Fué fundada en el 1935 por el inversor Herbert J. Yates

Hubo productores, actores y directores que intentaron sacar sus películas propias, ya que tenian su propia financiación y estudios, sin poderle hacer competencia a las grandes, con alguna escepción como es la del director y productor David O. Selznick, creador de LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ

Reestreno en atlanta de lo que el viento se llevó

 Durante los años 40, los productores independientes comenzaron a hacerse notar, debido al aumento de público en las salas, Cada vez eran menos los actores que firmaban contratos en exclusiva con algún estudio y, llegados a 1950 casi todas las primeras figuras del cine contaban con su propia productora.

En 1945, el Sindicato de Escritores Cinematográficos contaba con 952 miembros activos, de los cuáles sólo 174 tenía contratos con alguna de las ocho compañías del oligopolio.

Como consecuencia, a las grandes compañías les resultaba más difícil tener bajo control a estrellas, directores, productores o guionistas, lo que les indujo a orientar sus esfuerzos más hacia la distribución, especialmente en el extranjero, y a la exhibición. Como reacción a la pérdida de control sobre la producción de películas, las cinco grandes y las tres pequeñas se unieron para proteger sus intereses.

NUEVO.Así se fueron organizando los estudios... ya 6

Durante los años 30 y 40, la época dorada de Hollywood, se forjará un sistema de estudios que constituye el origen de la posterior hegemonía del cine norteamericano. El germen del sistema de estudios puede considerarse en 1908 cuando diez importantes fabricantes de equipos cinematográficos se unieron para formar la Motion Picture Patents Company (MPPC), que se aprovechó de su poder de monopolio para imponer el pago de tarifas a productores y exhibidores. Hasta entonces la industria había sido relativamente flexible, en la que existían multitud de productores y cineastas que competían entre sí. Con el fin de obtener sus propios ingresos adicionales, en 1910 la MPPC compra su propia distribuidora, con lo que conseguía controlar la industria. Pero el monopolio fracasó acusado de violar la legislación monopolística.

En este momento de crisis de la MPPC es cuando comienzan a surgir las grandes empresas cinematográficas. Ya en la primera década del siglo XX se fueron fundando las más importantes empresas de cine estadounidenses como la Universal Pictures, la Fox Film Corporation (después conocida como la 20th Century Fox), la United Artists, la Warner Bros., la Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), la Columbia, la Paramount y la RKO, que sufrirán importantes transformaciones en su estructura de gestión al fusionarse con otras empresas dedicadas a la exhibición y a la distribución. La consolidación de estos núcleos empresariales permitió que los años 30 se convirtieran en la época dorada de los grandes estudios.

La grabación de la famosa intro de la productora de cine Metro Golden Mayer.

Durante este periodo, la industria cinematográfica norteamericana dominó el panorama mundial gracias a las grandes cantidades de dinero que eran invertidas en cine. Ocho sociedades fueron las conformadas para canalizar estos beneficios individual y colectivamente. Competían entre ellas para procurarse el mayor número de espectadores posible, constituyéndose en una especie de oligopolio que impidió férreamente la entrada de cualquier competidor que intentará luchar por un pedazo de su mercado. Este oligárquico sistema de estudios aportaría el carácter definitivo del cine hollywoodiense.

El potencial de los estudios de Hollywood radicaba en la integración vertical de todo el proceso de creación de una película. La industria cinematográfica estadounidense logró desarrollar un complicado sistema para controlar la producción, la distribución y la exhibición de las películas, es decir que su trabajo empezaba en la grabación del filme y terminaba cuando éste era mostrado a los espectadores. Era, por tanto, un sistema que garantizaba enormes beneficios para estas pocas sociedades que eran partícipes del negocio.

 Las “Sociedades cinematográficas” Paramount Pictures, Loew´s Inc. (sociedad matriz de Metro Goldwyn-Mayer), 20th Centtury-Fox, Warner BROS. Y Radio-Keith-Orpheum (RKO), las denominadas majors, integraban la producción distribución y exhibición de las películas. Eran los estudios más poderosos desde el punto de vista de los recursos tecnológicos y humanos, y el trasvase entre ellos de actores, directores y técnicos fue constante, según intereses afines. Universal y Columbia se concentraron en la producción y la distribución y United Artists, distribuía películas de productores independientes. Eran the little three o los tres estudios pequeños, que en un principio no tenían salas propias, aunque, durante algún tiempo, United Artists y Universal se asociaron con una pequeña cadena de salas. Las cinco grandes compañías totalmente integradas (Paramount, Loew´s, Fox, Warner y RKO) eran cuatro veces más grandes que los tres estudios pequeños.

También hacían películas en los años 30 en Hollywood productoras que podíamos considerar como un poco al margen del sistema de estudios como la Walt Disney, los estudios de Poverty Road (especializados en filmes de serie B), Monogram y Republic. Estas dos últimas poseían redes de distribución a lo largo del país, pero no consiguieron abarcar un sector importante del mercado.
   En realidad, la principal fuente de poder de los estudios de Hollywood no se la proporcionaba la gran producción de películas, sino la extensa red de distribución que poseían no sólo a lo largo de Estados Unidos, sino del mundo entero. Estas redes les proporcionaban unas ventajas enormes en cuanto a la posibilidad de abaratar los costes de distribución y exhibición, y de acceder directamente a los beneficios dejados por los espectadores en la taquilla.

   La posesión de cines era el motor que movía la industria. Cuantas más salas se disponía, más películas era necesario producir. De esta manera se podían llegar a producir desde películas mediocres, cuya única función era rellenar la cartelera

2NUEVO. CINE MUDO. ya 3

                                                             CINE MUDO




La primera película de cine mudo fue “El jardín de Roundhay”, de Louis Le Prince (1888). Su duración era dos segundos y mostraba a dos personas caminando alrededor del jardín Oakwood Grange.



A fines de la década del 20, el cine alcanzó la madurez. Los expertos sostienen que la calidad del cien bajó cuando se introdujo el cine sonoro, y que le tomó varios años recuperarse. La calidad visual de las películas en los años 20 era muy alta.


Para complementar la falta de audio, se ideó un sistema de subtítulos agregados, mediante los cuales se añadían los diálogos. Surge entonces el escritor de títulos (como se llamaba en la época) como un profesional de la época muda y tomó una importancia equiparable con la del guionista. Los títulos tomaron importancia, convirtiéndose en elementos gráficos que ofrecían decoraciones de avance sobre la película.
La proyección de las películas mudas estaba acompañada pro música en vivo, por lo general, improvisada por un pianista o ejecutante del órgano. Se comprendió muy temprano la importancia de la ambientación musical.
Los pueblos pequeños tenían un piano para acompañar las proyecciones. Pero las grandes ciudades tenían su órgano, o incluso una orquesta completa, la cual podía ejecutar algunos efectos sonoros.
De los órganos de teatro, el famoso Rudolph Wurlitzer Company, podía simular sonidos de orquesta, entre otros. En ocasions, había un narrador que describía lo que iba ocurriendo.
Los actores mudos solían improvisar sus diálogos. La música de las películas mudas fue compilada en la Música de Photoplay, integrada por el pianista, el ejecutante del órgano, el conductor de orquesta o el estudio, los que enviaban las partituras junto con las películas. Aquí surge la composición de temas especiales para películas.

nuevo.Los inicios de holliwood.YA 5

                                            LOS INICIOS EN HOLLIWOOD

En el caso de Estados Unidos, desde el principio el cine se entendió como un espectáculo dirigido a un extenso sector de población, como una industria que podía aportar grandes beneficios económicos. Por tanto, hacer la película atractiva al público era fundamental. En Estados Unidos interesaba era que la cinta, de factura impecable, contara una historia creíble, atractiva y entretenida para el público. Esto comenzó a interesar a las productoras, que rápidamente se pusieron manos a la obra con sus inversiones.

   En los primeros años el centro de producción de películas se instaló en la costa Este, en torno a Nueva York. Pero el clima de aquella zona, lluvioso y con largos inviernos hacía perder muchas horas de rodaje de exteriores, por lo que los cineastas se trasladaron al otro extremo del país, a Hollywood.

   La historia de la meca del cine parte de 1903, cuanto una pareja tejana se establecieron en la periferia de los Ángeles, en un terreno plagado de acebos. De ahí vendría el nombre, que significa “bosque de acebos”. Cuatro meses después llegaron los primeros cineastas procedentes de Chicago y en 1906 ya estaban allí los grandes del cine.

  Durante las tres primeras décadas del cine, hasta los años 30, se comenzaron a forjar aspectos que configurarían la personalidad del cine Hollywoodiense.
en el cine norteamericano de los años treinta se empezaron a forjar diferentes géneros: el musical, el cine negro, el cine de aventuras, el cine de terror, etc.

                                            Clarck  Gable ``El rey de Hollywood´´

                                                    Sucedió una noche 1934

A lo largo de los años, como consecuencia
del descuido y del poco mantenimiento,
El cartel estaba en pésimas condiciones.
Muchas veces, el cartel estaba incompleto
porque la gente se dedicaba a robar letras. 
En 1978, la Cámara de Comercio de la ciudad,
Con el apoyo de personalidades 
como Alice Cooper y Hugh Hefner, 
Decidió restaurar el letrero, haciendo 
las letras de acero con una altura de 13.7 metros.
El nuevo cartel se inauguró el 14 de noviembre 
de1978 en homenaje a los 75 años de existencia 
de Hollywood.
 El evento fue televisado con una audiencia de
 60 millones de personas.

NUEVO. LA ENTRADA DEL CINE SONORO. YA 4

                                                           CINE SONORO

El final de la década de los veinte está marcado por la revolución que supuso la llegada del cine sonoro. La primera película que se considera sonora es El Cantor de Jazz, de Alan Crossland.

Warner Bros hizo esta película cuando estaba casi en la ruina, en un desesperado intento de salir a flote, y gracias al éxito del filme logró resurgir e impuso el sonido al resto de las productoras.

   Aunque en un principio parecía que la incorporación del sonido restaba expresividad a los planos, pronto se supo aprovechar la capacidad comunicativa que aportaban los diálogos. Los espectadores podían entender mejor las historias y muchos intelectuales vieron la posibilidad de escribir guiones interesantes.

   A efectos del cine como sistema global, la incorporación del sonido trajo cambios en la industria. Ya no bastaba con ser fotogénico, sino que la voz tenía que cumplir unas expectativas. En el cine norteamericano muchos actores de origen extranjero vieron reducidas sus posibilidades de triunfar en Hollywood, pues su acento no se ajustaba a las exigencias de los personajes, por lo que se vieron relegados a interpretar papeles muy concretos.

                                                              May Mcavoy

                                                    

 Los estudios, que por entonces aglutinaban en sí mismos todas las actividades cinematográficas de forma vertical (producción, distribución y exhibición), se vieron obligados a realizar grandes inversiones para adaptarse a la nueva tecnología del registro del sonido. Las cámaras de cine, para asegurar una buena sintonización entre la banda sonora y la de imagen, pasaron a rodar a 24 fotogramas por segundo, lo cual implicó también la reforma de las salas de exhibición.

nuevo.HISTORIA DE CINE. INICIO. ya 2

                                                    

                                                        INICIO DEL CINE

 La historia del cine se inicia el 28 de diciembre de 1895, cuando los hermanos Louis y Auguste Lumière realizaron la primera proyección pública de imágenes en movimiento. 

Los Lumière habían inventado lo que muchos han calificado como la fábrica de los sueños mientras que para muchos otros es una fábrica, sí, pero de hacer dinero.  El cinematógrafo, el invento de los Lumière, tenía como antecedente el kinetoscopio de Thomas Edison.

 Ellos consiguieron fabricar una cámara más portátil y funcional a partir de aquel artefacto, que registraba imágenes en movimiento, aunque no era capaz de reproducirlas. 

Aunque los hermanos Lumière nunca tuvieron excesiva confianza en las posibilidades técnicas y artísticas del nuevo invento, poco a poco estas proyecciones van atrayendo a un número de espectadores cada vez mayor. Las primeras películas combinaban indistintamente dos tendencias cinematográficas que pronto se escindirían: el cine documental y el cine de ficción. Por un lado exhibían escenas de la vida cotidiana, filmadas en exteriores: trabajadores saliendo de las fábricas, trenes, transeúntes… y, por otro, representaciones escenificadas grabadas en interiores. Algunas de estas cintas a las que nos referimos son las famosas Salida de la fábrica (1895) o La llegada del tren a la estación (1895)

                                                            Salida de fábrica

   Pronto, el particular invento fue distribuido por todo el mundo, bien a través de la compra de la patente, o bien mediante la copia del artilugio. Diferentes inventores alemanes, norteamericanos e ingleses copiaron y mejoraron el cinematógrafo, y puede decirse que a finales del siglo XIX un amplio número de personas en Europa y en Estados Unidos habían visto algún tipo de imágenes en movimiento. Por ejemplo, en el caso de la India, el cinematógrafo llegó solamente un año después de que lo inventaran los hermanos franceses.